Made my roommates watch "Quills" tonight. Easily one of my favorite films, possibly even in my top three.

A raunchy period piece on the infamous Marquis du Sade, the film stars Geoffrey Rush as the fiery madman, Kate Winslet as his laundry maid ally, Michael Caine as the brutal doctor antagonist, and the oh-so-sexy Joaquin Phoenix as an idealistic abbe who must repress his coursing lust for Winslet's character, Madeleine. [Never has a man of the cloth looked so delicious as Phoenix in that long black robe.]

Considering that the historical Sade lent his namesake to the term "sadism," there are so many ways this movie could have plummeted to a graphic soft porn with gratuitous genitalia waving about like windmills, but no. Instead, the movie tangoes with the evergreen issues of censorship and religion.

And it tackles these trigger words like no other movie I've seen before, openly slashing apart Christianity as if it were wrapping paper. One of my favorite lines has to be when the Marquis sneers at the abbe, "Virgin birth! An entire religion built on an oxymoron!"

The dialogue is razor sharp and delightfully blasphemous (as any film on a crazy fiend should be). And despite its seedy subject matter, it's one of the most intelligently and imaginatively scripted films I can name. I mean sure, sexual references is heaped on this film like fried chicken is heaped on a redneck's plate at Golden Corral. But that's the point, just because Sade's work is craven, it doesn't mean the film has to be.

And I'm always baffled at how the film manages to portray Sade almost as a hero, a representative of artistic expression. To call him an author would be like calling Ron Jeremy an award-winning actor. But he is also a man whose "writing is as involuntary as the beating of his own heart." I can identify with that. It's strange to think of this selfish, self-aggrandizing monster as the poster boy for passion-driven writing. But in the context of his rebellion against censorship, his flippancy is admirable. When Rush galavants atop the cretins' dining table and uproariously shouts, "My writing lives!," I get chills down my spine.

I end this post with the "Quills" trailer [one of my favorites because it includes all the best scenes and music] and another of my many favorite quotes from the film:

Abbe: But we also fall in love, we build cities, we compose symphonies, and we endure. Why not put that in your books as well.

Marquis: It's a fiction, not a moral treatise.

Your personal ruling planets are Mars and Sun.

The powerful 10th Solar House rulership indicates high preferment and possible fame - if you desire it. The power and warmth of the Sun endows you with a natural feeling of leadership and self importance. People will look to you for guidance, and with the added lunar and Saturnian vibrations, you maintain a calm mental outlook, even when the situation seems hopeless. This really instils confidence in those who look up to you.

Though your successes are assured after a long fight, you will experience hardships as a result of opposition and enemies - who are probably envious of your sterling qualities.

Your lucky colours are copper and gold.

Your lucky gem is Ruby.

Your lucky days of the week are Sunday, Monday and Thursday.

Your lucky numbers and years of important change are 1, 10, 19, 28, 37,46,55,64,73 and 82.

Famous people born on your birthday include Erasmus, Elsa Lanchester, Evelyn Waugh, Jonas Edward Salk, Bill Gates, Julia Roberts, Joaquin Phoenix, Des'Ray Manders and Lauren Holly.

Hmmm. Joaquin Phoenix? I'd like to share some birthday cake with him (and more).

What does your birthday say about you?

Ein sehr sehenswerter Film (8,0 bei IMDb), in welcher der Folsom Prison (Blues) eine, wie natürlich auch in Cashs Leben, wichtige Rolle spielt. Der Man in Black, wie Johnny Cash auch genannte wurde, auf Grund seiner stets schwarzen Anzüge während seiner Auftritte, die sich von den sonst üblichen farbenfroh-kitschigen Hemden der Countrymusiker dieser Zeit unterschieden. Er spielte 1968 im Folsom State Prison, wo u.a. Charles Manson bereits seit 36 Jahren sitzt, ein legendäres Konzert für die Insassen. Die Aufnahmen von diesem Auftritt wurden als Live-Musikalbum inzwischen auf verschiedenen Veröffentlichungen unzählige Male verkauft.

Konsum:

Soundtrack zum Film Walk the Line mit Aufnahmen von Joaquin Phoenix und Reese Witherspoon.

Greatest Hits von Johnny Cash

Beide Livekonzerte in den Gefängnissen At San Quentin / At Folsom Prison

Now, Joaquin:

It's interesting to note, too, the progression of PETA's ads, how they got less cuddly and more confrontational over time.

Come si deve giudicare un film come Hotel Rwanda? La coproduzione italo-canadese-sudafricana, diretta dall’irlandese Terry George e passata in rassegna all’ultimo festival di Berlino non spicca particolarmente per originalità di messa in scena, scrittura, regia; eppure si differenzia dal prodotto medio, ugualmente non troppo brillante, perché è un film “di denuncia”. Hotel Rwanda è stato girato per ricordare al grande pubblico la tragedia rwandese, ovvero quel milione di morti causati dalla pulizia etnica degli Hutu e dalla reazione sanguinaria dei Tutsi a metà degli anni Novanta. Morti che non hanno interessato molto le nazioni occidentali, che se ne sono tranquillamente lavate le mani e sono state a guardare mentre un genocidio terribile si compiva nel paese africano (ex colonia del Belgio). L’Africa, la cui popolazione può pure morire di fame e guerre, è il rimosso della società globale, il luogo dell’oblio, un continente che serve soprattutto a far vendere armi (la Francia ha sempre venduto armi ai guerriglieri Hutu) e a far da cloaca massima al mondo... Insomma, è giusto che un film come Hotel Rwanda sia stato prodotto, visto che l’informazione non fa sempre il suo dovere e non lo fanno neppure lettori e cittadini (assieme a Gente o TVsorrisi e canzoni in edicola vendono anche giornali che di queste cose se ne occupano, ma sulle tirature non c'è paragone).

Però Hotel Rwanda non è un film memorabile. La vicenda, una storia vera, è quella del rwaundese Paul Rusesabagina, che è riuscito a mettere in salvo 1200 persone da morte certa solo perché era direttore di un albergo a quattro stelle, dove ricchi occidentali svernavano nel paese dei bingo bongo (come gentilmente li ha chiamati Bossi una volta). Paul è riuscito a salvare tutti con mezzi privilegiati, mezzi di cui la normale popolazione non godeva: una telefonata al proprietario dell’albergo (un belga), appelli ad amici ricchi, occidentali, potenti, un po’ di corruzione nell’esercito hutu a furia di birre, liquori e cibi prelibati. Era l’unica scelta per Paul, perché l’Onu in quel caso è intervenuta solo per far evacuare gli occidentali presenti nel paese (e nell’albergo), lasciando tranquillamente gli africani massacrarsi tra loro. La scena più bella del film è quella in cui i turisti vengono fatti salire sugli autobus delle Nazioni Unite, per essere portati fuori da un paese in fiamme, mentre migliaia di neri vengono lasciati nell’albergo-fortino. E il povero Paul, abituato ad aver a che fare con gli occidentali, apparentemente civili, ha capito di essere solo carne da macello per i governi dei visi pallidi. A fare un film su questi temi non c'è niente di male, anzi. Però se il film non incide anche su un piano estetico ed emotivo (tutto scorre come da copione), l’impressione è che il suo lavoro informativo sia debole e appaghi il vuoto di memoria solo per le due ore della proiezione, non lasciando tracce a lungo termine. Le uniche veramente necessarie.

Cast: Don Cheadle, Sophie Okonedo, Nick Nolte, Joaquin Phoenix, Roberto Citran

Uscita: 11 marzo 2005 (al cinema) 

Camino a la redención establece temprano el conflicto principal: un padre divorciado regresa de un juego de béisbol con su hijo y accidentalmente atropella con su camioneta a un niño. El miedo lo domina, no sabe qué hacer y se da a la fuga. Su hijo no se ha dado cuenta del problema. En el sitio del suceso cunde el dolor y la desesperación en el padre, la madre y la hermanita del niño muerto. Es una situación absurda con preguntas sin respuestas. A partir de este hecho, el guión de John Burnham Schwartz y Terry Georgen propone la comprensión de cada uno de estos dos padres. Por una parte está Ethan Learner, el profesor universitario tranquilo y sensato que trastoca su vida en una afán desesperado de encontrar al asesino de su hijo. Por la otra se ubica Dwight Arno, el abogado divorciado que intenta rehacer su vida y mantener el amor de su hijo y que ahora se encuentra en una situación íntima que le destroza el alma. Al primer padre lo mueve el deseo de venganza. Al segundo lo atormenta el sentimiento de culpa. Ninguno está en sus cabales. Cada cual vive un dolor implacable y desarrollan conductas patológicas.

Son dos personajes masculinos complejos, trabajados con precisión y comprensión. George rehuye las posiciones moralistas y contrasta las dos posturas en una trama que tiende —poco a poco y de forma inevitable— una trampa a ambos hombres. La trama se circunscribe a localidad donde todos se conocen y en la que todos están relacionados. El profesor universitario contrata al bufete de abogados del hombre que atropelló a su hijo para que haga lo que la policía no ha logrado: encontrar al asesino. Dwight se enfrenta de esta manera al hombre que lo busca —sin saber que lo tiene enfrente— pero sobre todo se confronta consigo mismo. Vive su dolor y el del otro padre. En ese sentido masculino de la historia intervienen sendas mujeres: una esposa que observa cómo su marido se sumerge en los pantanos de la locura y una ex esposa que se ha convertido en la mirada crítica que pende sobre el abogado. El tema que sostiene toda la trama es la dimensión afectiva de la paternidad. El guión explora una temática que usualmente se delega en la mujer y en la fuerza de la maternidad. En este caso no. George busca esa característica de hombres en medio de la tragedia y la desolación.

Un drama de este tipo debe sustentarse en la representación de sus personajes de una manera convincente. Es lo que hacen Mark Ruffalo como Dwight Arno y Joaquín Phoenix como Ethan Learner. Uno y otro actor edifican sus caracteres sobre la base del conflicto interno más que de las acciones de la trama. Cada cual plantea una mirada interna, personal, instransferible. Ofrecen un trabajo actoral impecable, secundados por dos actrices ganadoras del Oscar: Jennifer Connelly y Mira Sorvino. Con este cuadro interpretativo la historia se potencia de forma contundente.

El final de Camino a la redención podría ser ejemplo de una resolución dramática que alcanza un climax que no anuncia una salidad coherente y parece que la trama se le va de las manos al realizador, pero he aquí que con destreza la historia regresa al control de Terry George, quien la maneja muy bien. Sabe resolver su desenlace sin moralismos ni moralejas. Un film de mucha fuerza con grandes actuaciones y una excelente dirección.

CAMINO A LA REDENCIÓN ("Reservation road"), EEUU, 2007. Dirección: Terry George. Guión: John Burnham Schwartz y Terry George, sobre la novela del primero. Producción: Nick Wechsler y A. Kitman Ho. Fotografía: John Lindley. Montaje: Naomi Geraghty. Música: Mark Isham. Elenco: Joaquin Phoenix, Mark Ruffalo, Jennifer Connelly, Mira Sorvino, Elle Fanning, Eddie Alderson y Sean Curley. Distribución: Cinematográfica Blancica.

I can’t watch this, I can’t stand Eva Mendes. She supposedly said some stuff about cutie Joaquin Phoenix during the We Own the Night Days. And that’s just wrong girl! Leaf Joaquin can do no wrong! I’m more interested in the soundtrack.

But, here’s the trailer, a month late, but here it is anyway. Enjoy!

If you hope that "Walk The Line" will delve into the pathology of the talented, complex country singer who dressed in black as a form of empathy for society's outsiders, you may want to just enjoy the lyrics of Cash's song, Man In Black and wait for Hollywood's next attempt.

This is not that film.

"Walk The Line" is the engaging love story of Johnny Cash and June Carter. Johnny's admiration for June is sparked as a boy,enjoying the voice of 10-year-old June Carter as she belts out a song over the radio. The film focuses on Cash's rise from poverty to prominence and his reckless pursuit of June Carter in the midst of a failing marriage and a fierce, losing battle with substance addiction.

The strong performances and the chemistry between Joaquin Phoenix (Johnny) and Reese Witherspoon (June) saved this film. Phoenix embodied the entity of Cash-from his intense stares, to his simmering passion and gravelly voice. Witherspoon gave a strong performance as June Carter as the sassy-crowd pleasing performer, the determined rejector of Cash's advances and finally,Cash's compassionate lover.

Although many of the questions I have about Cash were not answered in this film, it is worth watching. Since scales are fun and useful.. if I were to rate it as a biopic, it would receive 2/5 hearts. But as a love story, it deserves 4/5.

Sonntag, 10.08.08 ⎮20.15 - 22.20 ⎮ ORF 1 ⎮ USA 2005 ⎮ Regie: James Mangold

Oscar-prämiertes Biopic über den jungen, selbstzerstörerischen Johnny Cash, der seine Erlösung in der Liebe zu June Carter findet. Joaquin Phoenix und Reese Witherspoon in den Hauptrollen singen ihre Parts selber und das nicht einmal schlecht.

'What Price Fame?' is a documentary series looking into the various downsides of being famous and life as a celebrity.

Watch an episode of 'What Price Fame - Where Ego's Dare'

Episode 1. Where Ego’s Dare
What is celebrity? ‘Where Ego’s Dare’ takes an inside look at the lives of the Hollywood A-list, exposing their narcissism, vanity and addictions. The programme examines the pressure of coping with fame and the media frenzy that first creates and then destroys celebrities. Exclusive interview with Paris Hilton, Lindsay Lohan, Cherise Leana Bangs, Halle Berry, Harrison Ford, Beyonce Knowles, Shakira, Madonna, Daniel Radcliffe and many more.

Exclusive Interview: Bob Thomas, David Poland, Micky Dolenz, Paris Hilton, Lindsay Lohan, Shakti Kapoor, Cherise Leana Bangs, Halle Berry, Daniel Radcliffe (Hary Potter), Harrison Ford, Beyonce Knowles, Shakira, Virginia Madsen, Madonna, Ed Feldman, Joaquin Phoenix, Russell Crowe

Watch an episode of 'What Price Fame - Where Ego's Dare'

The health benefits of a vegetarian diet are impressive. Dr. T. Colin Campbell, nutritional researcher at Cornell University and director of the largest epidemiological study in history, says, "The vast majority of all cancers, cardiovascular diseases, and other forms of degenerative illness can be prevented simply by adopting a plant-based diet." The American Dietetic Association, the nation's largest organization of nutrition professionals, states that vegetarians have lower rates of heart disease, cancer, diabetes, obesity, and other health problems. By adopting a nutritious vegan diet, you will likely lose unwanted weight, have more energy, and dramatically lower your risk of various diseases.

Source: GoVeg.com

James Gray, 2008,

We Own The Night s'introduit dans le genre ultra fréquenté des polars de famille.
Bobby - Joaquin Phoenix, brillant - est gérant d'une boite de nuit depuis laquelle opère un baron de la drogue. Gênant pour la tradition familiale : père et frère et oncles sont flics.
Il vaut mieux avoir quelque chose à dire. Quand on se lance sur ce genre de film la grâce -aujourd'hui perdu - d'un Scorcèse plane comme une ombre terrible. La famille, c'est étouffant à bien des égards. D'un point de vue cinématographique déjà.
La grâce de Gray intervient alors : de la famille il sera surtout question d'en faire le deuil au travers d'un requiem long de deux heures.
L'ouverture est bluffante et limpide. Bobby et Amada se chauffent en préparation d'une scène jambe-en-l'aire d'anthologie. Qui n'aura pas lieux. Malgré les ralentis lancinants, malgré la rythmique de Blondie et les regards aguichants. Malgré un bout de poitrine qui ne se fait pas prier d'apparaître. C'est cadeau mais c'est suspect. Happé autant que possible, il faudra pourtant remettre à plus tard.
Le à plus tard est important, c'est la fausse figure vraiment répétitive du film, son leitmotiv d'apparence qui voudrait nous présenter un film de vengeance, un film cathartique. Remettre à plus tard l'affection, à plus tard la rencontre, à plus tard les retrouvailles - jusqu'au-delà de la mort, à plus tard la libération, et même à plus tard sa propre voie. Et surtout à plus tard la jouissance.
Mais la catharsis dans We Own the Night est plutôt satyrique : Bobby tue son pseudo némésis de loin, dans le brouillard et la confusion, presque par hasard, ne s'entend donner en guise de dernière riposte que le murmure absurde et hors propos de son propre nom, et en guise d'explication qu'un modeste et ironique "Si j'avais su que c'était ta famille..." prononcé sur le ton d'une sincérité des plus déconcertantes. Bref, difficile de croire que le film adhère à ce propos là. Venger sa famille. Hum, quelle blague.
Le visage fantasmé de l'amour dans une foule, une frère diminué et déserteur. Voilà sur quoi se conclue l'ode à la famille.

Qui vient donc dés le commencement interrompre notre scène de cul si prometteuse ? La famille justement. La remise en question du thème qu'on présupposait central ne s'opérerait pas si bien si Gray ne filmait pas avec tant d'adhérence ce prologue au plaisir. Rien n'invite dans la mise en scène à rabaisser le plaisir auquel on se prépare, à le subordonner à la politesse familiale. Le drame premier de Bobby n'est pas de se tromper de famille mais d'en préférer une à la jouissance.
Que la famille se révèle comme ce qui pose problème n'est plus une surprise. C'est parce que Bobby appartient à une famille de flic que le dilemme de la coopération ou non se pose à lui et chamboule ses choix, c'est parce que sa famille adoptive cache de lourds secrets que sa vie bascule, c'est parce que les liens du sang obligent à une lourde nécessité qu'il faudra renier ses choix, ces mêmes liens imposant une hiérarchie des priorités, il faudra laisser de coté le plaisir en perdant sa petite amie. Il est intéressant à ce sujet que Bobby parle toujours d'Amada sous l'appellation girlfriend et prononce rarement son prénom pour la designer. Comme si justement elle ne cadrait pas avec les cercles familiaux et ne méritait pas encore un statut autre que sa fonction, fonction relative à un seul individu de la famille. Amada n'existe que comme girlfriend d'un membre de la famille. C'est à raison qu'il la perd.

On peut évidemment parler des résistances au développement personnel que constitue la famille tout en faisant un film sur la famille. Le Parrain de Coppola, par exemple, s'y essaie. Mais Le Parrain n'oublie pas non plus de montrer une certaine positivité résultante de ces barrières, aussi dramatique soit le prix à payer pour cette positivité. Il n'est pas certains que We Own The Night de son côté en propose une quelconque. Les derniers plans du film doivent êtres comparés à ceux d'Eastern Promises. Même ambigüité, même guet-apens, même drame. Les yeux cernés de Bobby, son désir de trouver le visage d'Amada dans le foule, sa mine déconfite et le "Je t'aime" rendu à un frère qui s'écarte de l'engagement que lui vient de prendre sont pour le moins bouleversants. 

We Own The Night est l'histoire d'une démarche flouée, surjouée. Cette démarche forcée de caïd qu'adopte Bobby. Le contre point à la fragilité de Robert Duvall ou à l'effacement progressif de Walhlberg. Eux mesure le sacrifice. Forcée et flouée parce que Bobby dirige un enterrement sans le savoir mais cet enterrement pèse sur lui bien avant que ne soit prononcé l'amen final qui clôture le film. Deuil d'une jouissance, d'une partie de cul enterré sous l'engagement constitutionnel. Au rythme lancinant de la musique est substitué celui artériel, horrifiant, de l'organisme effrayé et surpris, dans deux scènes centrales et magnifiques : l'infiltration et la poursuite en voiture. Au murmure charnel est substitué la messe d'un enterrement et le discours bien pauvre d'un nouvel engagement.
La nuit nous appartient. Quel titre lugubre quand on y pense.
L'incapacité à tenir droit dans ses bottes, à ne faire que goûter à ce plaisir est sans doute le vrai leitmotiv du film. Tout est affaire de confusion face aux impressionnants canons de la famille et de la morale, un bruit sourd dans l'oreille qui empêche la musique de fonctionner, la volupté d'agir et met en péril la vie : Bobby est presque abattue par les siens à cause de ce bourdonnement-là. Que la famille soit une cause suffisante pour se défenestrer, voilà qui paraît être un discours suffisamment néo-classique pour coller le fond à la forme. Et décoller le film de la fosse dans laquelle il a décidé de naitre.

Cop films generally seem to follow the same linear storylines, whether it involves a family of police, corruption, or simply a tale of heroism and rising above the challenge - each will somehow twist and turn through the same well-told situations. We Own the Night is little different, portraying an on-screen family with ties to the force. Burt (Robert Duvall) is the father of Joseph (Mark Wahlberg) and Danny (Joaquin Phoenix) - where Joseph follows in the footsteps of his police-chief father, Danny is instead enticed by the drug-world of the late 1980s. Danny is played up as the black-sheep of the family, a scar upon their name as respectable cops. Obviously this puts a bit of distance between the family.

Underneath all this is a tale of New York in the 1980s, where Russian immigrants have flooded the city, and begun to take control of its drug trafficking. Surprisingly no Cold-War-ethics were shown on-screen, no red-scare-slurs used at any time. Little of the Russians characters were shown (save for a few) and instead they were mostly nameless and violent thugs. New York's lavish night-clubs and dim streets are shown, contrasting the so-called lavish lifestyle of its drug elite - or those benefiting from their associations.

In a way much of the films storyline was pretty see-through. Danny's girlfriend Amada (Eva Mendes) is quite in love with not only the lifestyle of a drug-user (though she's never seen using), and the perks of living with an up-and-coming Danny. This motivation is shown later in the movie, and eventually her character is all but forgotten - even though she never had a huge part to begin with. Duvall is horrible under-utilized and instead used as the by-the-books old-school cop; in other words: he's old, and no one knew how to deal with it. Wahlberg's character too is little developed. In all reality the movie is more about Danny than anyone else - it doesn't try to hide this, but sometimes his story alone wasn't strong enough to carry the entire film.

At several points I could either see a development coming, or characters weren't used how I was expecting. Nowhere were corrupt cops shown, even though several scenes could've hinted at it, and eventually led down that path. Perhaps these moments were simply red-herrings, but we don't know. All in all We Own the Night was a decent movie, nothing special, but not horrid either. Its a standard 1980s New York cop drama, so in that sense is works quite well - but otherwise it needs some polishing around the edges.

Mon avis : Récemment disponible en DVD je suis tombé sur ce film par hasard ; rien à la télé comme d'habitude, alors hop je commande ce film sur ma Ma Ligne Tv et je le lance en VOST comme dab (doublage sucks). Il s'agit d'un film policier, ni action ni thriller, mais un bon polard qui est basé sur des faits réels (New York 1988 ; la ville connait un taux de violence sans commune mesure) ; Joaquin Phoenix qui tient le premier rôle est absolument impressionnant, il incarne parfaitement le rôle de son personnage et son jeu est absolument énorme. Robert duvall égale à lui même, comme d'habitude un grand acteur. Mark Wahlberg dans un rôle à contre emploi, habitué au film d'action incarnant des durs à cuirs, ici il campe le rôle d'un flic réaliste; brillant comme d'habitude. On est clairement ici dans un film 100% réaliste, histoire de clouer le bec à toutes les mauvaises langues qui disent que les Ricains ne savent faire que des films d'actions ; une preuve de plus que c'est faut. Ce film est presque un reportage tellement la réalisation est excellente ; plusieurs scène nous mettent directement dans la peau du personnage et on voit l'action ou plutôt on la vie comme si on y était ; jamais je n'ai ressentie ça devant un film. Le scénario aussi est à la hauteur, car on nous propose une affaire intéressante en nous montrant surtout le plan humain. Un sacré film... Ah oui j'oubliais Eva Mendes, toujours aussi bo... heu sexy ^^

Résumé : New York, fin des années 80. Bobby est le jeune patron d'une boite de nuit branchée appartenant aux Russes. Avec l'explosion du trafic de drogue, la mafia russe étend son influence sur le monde de la nuit. Pour continuer son ascension, Bobby doit cacher ses liens avec sa famille. Seule sa petite amie, Amada est au courant : son frère, Joseph, et son père, Burt, sont des membres éminents de la police new-yorkaise... Chaque jour, l'affrontement entre la mafia russe et la police est de plus en plus violent, et face aux menaces qui pèsent contre sa famille Bobby va devoir choisir son camp...

Bueno, espero q el ver fotos de este guapo me lo quite.

Asi es damitas es Joaquin Phoenix, papacito de ceja prominente y mirada de "yo no fui, pero si quieres lo intento" y cuerpo de "y lo intentare muuuy bien"

Nacio en San Juan, Puerto Rico, el 28 de octubre de 1974

A participado en peliculas como:

8 mm

Walk the Line

Gladiador

Brigada 49

Señales

La Aldea

Su hermano River Phoenix murio frente al club nocturno The Viper Room (propiedad de Johnny Deep, por sobredosis.

Es vegano, por tanto está en contra de la utilización de animales para vestir, comer, divertirse, etc.

Asi o mas perfecto?

Provecho chicas!

[wpvideo hSDVptBw]

Durante 1994 tuvo lugar el genocidio de Ruanda, uno de los hechos de barbarie más significativos desde la Segunda Guerra Mundial y uno de los más vergonzosos episodios para una comunidad internacional más preocupada por salvaguardar sus propios intereses que por impedir la muerte del millón largo de personas (de etnia tutsi, pero también hutus moderados) que perdió la vida en aquellos trágicos días, o limitar la extensión posterior del conflicto a países vecinos como Burundi o Zaire (hoy de nuevo Congo), que no escatimaron medios en añadir víctimas a la cuenta de resultados a la que occidente contribuyó con su incapacidad o falta de voluntad, según el caso, para atajar una situación que se les fue de las manos, una responsabilidad que es doble en este caso y que se remonta a los días en que Congo, Ruanda y Burundi eran gestionados por la cruel e inhumana administración colonial belga, inventora de unas etnias que no existían con el fin de crear una estructura "burguesa" o "aristocrática" a la que inundar de comodidades y bienes materiales que la ayudara a dominar al resto de la población en un territorio tan extenso. De este modo, y teniendo en cuenta un dato tan objetivo como era el número de vacas que cada familia tenía en propiedad, el gobierno belga, uno de los más criminales de la Historia en su aventura colonial africana, dividió poblaciones que siempre habían convivido, amigos, familias e incluso matrimonios en etnias diferentes repartiendo un denominado "carnet étnico" que decía si uno era hutu o tutsi (así se crean esas naciones en las que muchas personas en occidente dicen creer como en dogmas de fe y que han defendido, y en algunos casos defienden aún hoy, con la guerra y la violencia, un acto arbitrario, una categorización de seres humanos cuyo último criterio a aplicar es precisamente la Humanidad, poniendo por delante cuestiones raciales, étnicas, lingüísticas, religiosas o culturales).

Esta producción sudafricana dirigida por Terry George aborda un hecho real en el marco del genocidio ruandés. El responsable de un hotel (magnífico Don Cheadle en un derroche interpretativo lleno de matices), impulsado por su deseo de proteger a su propia familia de los excesos violentos que recorrían el país de parte a parte, fue acogiendo en las reducidas dimensiones del edificio y sus instalaciones anexas primero a las familias de los empleados, luego a los amigos, y finalmente a todo aquel que, sin que importara lo más mínimo si se trataba de hutus o tutsis, huyera de la guerra y la muerte. La película retrata aquellos hechos de manera convincente, con una muy creíble recomposición de los sucesos tanto estética como narrativa, y sin caer en efectismos permite trasladar al espectador la zozobra, la incertidumbre, la angustia y el clima de violencia incontenible que como una ola arrasó con todo. A partir de ahí, la película, centralizando la narración en las difíciles circunstancias del encierro (constantes amenazas de asalto, suministro de provisiones y víveres, cuestiones de higiene y hacinamiento, la fragilidad de la resistencia emocional, etc.) retrata de forma verosímil el clima imperante en el país, los motivos profundos del estallido violento, el odio racial, las matanzas, la atmósfera opresiva de la caza sistemática del hombre, mujer o niño, y también el papel de la comunidad internacional (sobre todo encarnada en el papel del militar canadiense de los cascos azules interpretado por Nick Nolte, prisionero de la burocracia por un lado y de los intereses de países poderosos que limitaron el papel de la ONU de forma letal para cientos de miles de personas, y en el del fotógrafo que interpreta Joaquin Phoenix, el bienintencionado occidental que vive aterrorizado en un infierno de barbarie y carga contra la miseria moral de un occidente que lo permite e incluso lo alienta). Ése quizá sea el talón de aquiles de la película, los límites políticamente correctos (para occidente) del ejercicio divulgativo que supone el film sobre el genocidio ruandés. Porque la película, no sólo omite el surgimiento arbitrario y absurdo de una división étnica impuesta por los colonizadores europeos, sino que también pasa por encima de los intereses de potencias como Estados Unidos y Francia por su rivalidad económica en la zona de los Grandes Lagos africanos. Lejos de ser una guerra tribal, el conflicto tenía poderosas connotaciones económicas, comerciales y de gestión de influencias geopolíticas en las que Francia y Estados Unidos mantenían posiciones enfrentadas y que provocaron que el conflicto llegara a extremos de insólita crueldad (inolvidables imágenes las de las muertes a machetazos o los incendios de edificios con gente dentro) sin que la comunidad internacional enviara tropas que contuvieran las masacres y sin que la ONU, paralizada por su propia inutilidad cuando de enfrentarse a los poderosos se trata, pudiera hacer algo más que gritar en el desierto.

Brillante, emotiva, verosímil, la película nos acerca una historia que contada de cualquier otro modo supondría una dosis inadmisible de barbarie y crueldad, centrándose en un aspecto humano que contrasta con el ambiente primario de violencia sin freno que primó en el conflicto. Aunque la cinta bordea la estética televisiva, de forma que tenemos muy presentes los reportajes de los informativos (lo cual puede restarle, aunque parezca contraproducente, intensidad en su impacto en el espectador), la recreación de los hechos resulta convincente a pesar de algunos cabos sueltos y la falta de concreción acerca del papel internacional en los acontecimientos. Por otro lado, las interpretaciones son magníficas y en algunos casos, como sucede con la actriz protagonista (Sophie Okonedo), sus expresiones y actitudes resultan tan desarmantes como la actitud irracionalmente violenta de la mayoría de los cazadores de hombres que pululan por la ciudad buscando a quien matar, o como las crueles y venenosas arengas que desde la radio alentaban a continuar con la sangría.

Una película que nos lleva además a reflexionar acerca del concepto de colonialismo, neocolonialismo y democracia, nos hace preguntarnos si realmente la descolonización existió o se mantiene hoy, y sobre la idea que en occidente tenemos de lo que sucede en África. La descolonización política no fue acompañada de una descolonización económica, que las elites de los nuevos países, impuestas por o conniventes con el antiguo poder colonial, siguieron manteniendo en beneficio propio y de las multinacionales occidentales. Las políticas de occidente en África vienen impuestas por los intereses de sus empresas, y de hecho, son las que realmente sustentan los avances económicos y políticos en esos territorios o bien los cortan de raíz. No hay régimen dictatorial en África que no venga impuesto por un determinado interés occidental, de igual modo que no ha habido un movimiento regeneracionista en cualquier país africano que no haya venido seguido de represión, muertes y guerras civiles en las que los causantes no hayan sido dictadores africanos mantenidos en el poder por países occidentales, cuyos intereses salvaguardan. A esta corriente responde la irrupción de China en el mapa geoestratégico africano, un país que a cambio de petróleo ofrece asistencia tecnológica sin hacer preguntas en cuanto al nivel de respeto de los derechos humanos, y que se ha ido introduciendo en muchos casos como socio preferente.

Pero no sólo occidente es culpable y los africanos son unas pobres vícitimas. También éstos tienen su responsabilidad. Las clases dirigentes criadas a la luz del colonialismo o las elites revolucionarias corrompidas tras su llegada al poder hacen que se amasen inimaginables fortunas en manos de políticos corruptos y dictadores criminales: ahí están los negocios inmobiliarios de Obiang en Estados Unidos, las multimillonarias cuentas de Mobutu en Suiza, la extrema riqueza de Robert Mugabe en Zimbabwe, o por ejemplo, los cinco mil millones de dólares que llegó a amasar en tan sólo cinco años en el poder el antiguo dictador de Nigeria, fallecido, curiosamente, por sobredosis de viagra. Criaturas mantenidas y cebadas por occidente, pero consentidas por un poder militar y político que aspira a llevarse las migajas, mientras el destino de los ciudadanos es servir de carnaza o de brazo criminal cuando cambia el juego de intereses de occidente en África, un continente que, en su mayor parte, sigue siendo una colonia y al que nadie interesa ayudar, sólo a los ciudadanos bienintencionados de occidente que desconocen lo que sus gobiernos o las empresas que producen las marcas de los bienes de consumo que compran, hacen en África. Como decía un titular de un diario de Tanzania: "las ayudas al desarrollo de África es dinero que entregan los pobres de los países ricos a los ricos de los países pobres".

In no particular order...

Emile Hirsch

He's a quirky guy with amazing green eyes... he kinda reminds me of Leonardo DiCaprio before he went all hermit.

Interview of him when he got (the unfortunate) Speed Racer role below:

Him on Letterman is HERE. It's super cute too.

James McAvoy

James, Jimmie, Jim. He's so witty in interviews and his talent is evident in every movie I watch. I love his sense of humor and his seeming vulnerability. He's one sexy, sensitive catch.

James talks nude scenes below:

Rodney Atkins

Rodney one of the sweetest country singers out there.  I always love the lyrics to his songs and he looks great in just a cap and t-shirt. A low maintenance guy with good looks and an incredible voice? Heaven!

The following song got me through a lot:

Channing Tatum

Channing is just ridiculously good looking. And the best part is he is confident but hasn't been caught in any douche-baggy bad behavior.

Channing talking about quince parties and salsa below:

Taye Diggs

Taye's got the nicest smile in Hollywood, period.

Taye on Ellen below explaining what his McNickname would be:

Joaquin Phoenix

Joaquin is an incredibly talented actor with a darkside. I like bad boys so he totally fits that unhealthy attraction I've got. ;)

Here he is on Oprah with Reese Witherspoon promoting "Walk the Line":

Milo Ventimiglia

Milo may be dating his co-star Hayden Panettiere, but I love his low key personality. He's the type of guy who reads. That's hard to find!

Milo on Jimmy Kimmel talking about puking:

Jason Statham

Jason is hot because I can trust him to save me from the terrorists.

Epic evidence of this below:

David Beckham

David as close to many women's ideal look as you can possibly get.  He's a guilty pleasure of mine because I honestly don't care if he follows current events or has opinions on foreign oil. I just like lookin' at him.

AMAZING Beckham goal below:

]]> http://wolkenspiel.wordpress.com/?p=405 Tue, 15 Jul 2008 22:37:04 +0000 wolkenspiel http://wolkenspiel.wordpress.com/?p=405 Nein, hier geht es nicht um eine Kochsendung in der "The Naked Chief" mal eben eine neues Kartoffel-Rezept aus dem Hut zaubert und es geht auch nicht direkt um die sonst schon öfter von Jamie Oliver thematisierte gesündere Ernährung für televisonophile Kinder.

Jaime's Hühnerhölle

Was mich heute an Jamie Oliver interessiert, ist seiner Kochshow "Jamie's Fowl Dinners", mit der der britische Starkoch jüngst in Großbritannien für Furore gesorgt hat. Unter dem Namen "Jaime's Hühnerhölle" war das ganze nun gestern Abend bei RTL2 auch im deutschen Fernsehen zu sehen (siehe Kommentar von Spiegel Online) und regt ebenfalls hierzulande die Gemüter an.  Zu Recht wie ich meine. In der Sendung konfrontiert Jamie Oliver die in einem Restaurant versammelte Zuschauerschaft mit den gängigen Praktiken der Federviehhaltung in der Landwirtschaft Lebensmittelproduktion, um damit die Gräuel der Massentierhaltung anzuklagen. Der Spiegel-Online-Kommentar dazu:

(...) Langsam führt er einen Elektroschocker zum Kopf eines aufgehängten, lebendigen Hühnchens, betäubt das zappelnde Etwas mit einem Stromstoß und lässt es mit einem Stich durch den Schnabel vor laufender Kamera ausbluten. Barbarisch, so mögen viele denken. Wie kann man nur, zur besten Sendezeit …

Man kann, durchaus, wenn man eine Mission hat. Und Jamie Olivers Mission heißt: Die Menschen vor den Bildschirmen davon zu überzeugen, dass unsere Art der Nahrungsmittelproduktion nicht nur absurd, inhuman und lebensfeindlich ist, sondern allen Informationskanälen der vernetzten Welt zum Trotz ein Mysterium bleibt, das selbst aufgeklärte Verbraucher nicht in allen Dimensionen erfassen (...)"

Keine leichte Kost für viele, denen das Hähnchenfilet eher als zugeschweißte Plastikbox im Supermarkt bekannt ist und für den Eier palettenweise im Regal wachsen. Später dann demonstriert Oliver, wie männliche Küken im Auswahlverfahren (das er durch die Zuschauer geschehen lässt) für die Legebatterie vergast werden. Hierzu ein kleiner Ausschnitt (englisch):

Es scheint, als bräuchte man in unserer Mediengesellschaft derartige Skandale,  um den Heerscharen der Komsum-Zombies ein Stück ihres verlorenen Realitätssinns zurückzugeben. Jedes Schnitzel das Herr Zombie isst, hat ein Leben gekostet und Salami wächst auch nicht am Baum. Wenn ich mir den Speiseplan in unserer Mensa oder jeder x-beliebigen Kantine hier in Deutschland anschaue, könnte man allerdings geradezu meinen Kühe würden dazu benutzt Getreide zu füttern. Ein Gericht ohne Fleisch ist doch kein "vollwertiges Essen".

Abgesehen von der eher mangelhaften Wirtschaftlichkeit (Ineffiziente Nutzung von Getreide als Futtermittel  [Quelle], für 1 kg Fleisch werden bist zu 16 kg Getreide benötigt [Quelle, halte ich  für etwas hoch angesetzt], "Für 1 kg Weizen sind fast 1.000 l Wasser erforderlich, für 1 kg Fleisch etwa das Zehnfache" [Quelle]) und dem gesundheitlichem Aspekt (siehe Ernährungspyramide) halte ich es für sehr wichtig einfach eine bewußte Einstellung zum Fleischkonsum zu vermitteln. So geschehen in der  "Hühnerhölle" von Jaime Oliver, dessen Vorstoß auf das Thema ich mehr als begrüßenswert find - ebenso den wohlwollenden Kommentar von Spiegel Online.

Das will ich nun zum einen als Anlass nehmen, um erst einmal meine Hochachtung für Herrn Oliver zum Ausdruck zu bringen, der im Gegensatz zu den meisten anderen Fernsehköchen mehr leistet, als nur neue Rezepte an den Mann (und die Frau) zu bringen.

Earthlings - Eine augenöffnende Dokumentation

Andererseits will ich es dazu nutzen auf eine Dokumentation hinzuweisen, die mich selbst sehr beeindruckt hat: Earthlings

Die unter Mitwirkung von Joaquin Phoenix und Moby entstandene und mehrfach ausgezeichnete Dokumentation zeigt die Abhängigkeit des Menschen von den Tieren. Dabei beleuchtet sie vor allem auch das Verhalten des Menschen gegenüber den Tieren, wobei die häufig auch mit versteckter Kamera gedrehten Filmausschnitte stark zum Nachdenken anregen. Hier die Dokumentation - sie ist nicht gerade leicht zu ertragen, ABER gerade deshalb sollte man sie gesehen haben:

Ich gebe offen zu, dass mir vor Freude, Wut und Traurigkeit die Tränen in die Augen gestiegen sind, als ich den Film vor etwa einem Jahr gesehen habe. Danach habe ich noch lange über das gesehene nachgedacht und für mich persönlich - als "Lebewesen" - meine Schlussfolgerungen gezogen. Earthlings hat nicht nur dafür gesorgt, dass ich mittlerweile Fleisch sehr bewusst esse, sondern es hat mich auch dazu bewegt, weitestgehend auf Fleisch zu verzichten.

Worum es mir geht

"Wieder so ein Vegetarier-Fuzzi auf dem Missionier-Trip!", werden jetzt wieder viele sagen und mit Sprüchen wie "Vegetarier essen meinem Essen das Essen weg" um sich werfen.  Nein. Mir geht es nicht darum, den Leuten das Fleischessen auszureden. Aber es auf sinnvolle Maße zu reduzieren und eine Bewusstsein dafür zu entwickeln, das die Steaks nicht in der Kühltruhe des Supermarkts gezüchtet werden, sondern von echten Lebewesen, wie wir selbst, stammen - DAS halte ich nicht nur für äußerst erstrebenswert, sondern auch für sehr mitteilenswert.

Joaquin Phoenix, der die Rolle des Sprechers in Earthlings hat, sagte zu der Dokumentation folgendes:

Of all the films I have ever made, this is the one that gets people talking the most. For every one person who sees Earthlings, they will tell three."

In diesem Sinne hoffe ich, dass ich über meinen Blogeintrag hier mehr als drei "Erdlinge" erreiche ;)

Gehört: Moby - My Weakness (Play )

Filmen handlar om Bobby Green (Joaquin Phoenix), en man som vänt sin släkt, där alla är poliser, ryggen. Istället driver han populära och legendariska nattklubben El Caribe. Klubben ägs av ryssar och ligger i Brighton Beach i Brooklyn. För Bobby är varje natt ett party där han hälsar på vänner och gäster eller dansar med sin vackra puertoricanska flickvän Amada (Eva Mendes), i ett töcken av cigarettrök och discomusik. Året är 1988 och narkotikan väller in över New York i en allt snabbare takt. Bobby försöker på ett vänskapligt sätt att hålla avståndet till den ryska gangster som använder hans nattklubb som högkvarter - en gangster som gjorts till måltavla av Joseph (Mark Wahlberg), Bobbys bror. Joseph är en New York-polis på väg upp i karriären och han stöds av sin far Burt (Robert Duvall), den legendomsusade biträdande polischefen.